L’Ultima Cena, conosciuta anche come Cenacolo, è un dipinto murale realizzato da Leonardo da Vinci tra il 1494 e il principio del 1498. Quest'opera è universalmente riconosciuta come uno dei dipinti murali più importanti al mondo, descritta da Giorgio Vasari nelle sue "Vite dei più eccellenti pittori, scultori ed architettori" come "cosa bellissima e maravigliosa". Il Cenacolo rappresenta forse la testimonianza più completa dell'ingegno multiforme di Leonardo, del suo desiderio di sperimentare e della sua inesauribile curiosità. Nel decennio in cui lavorò al dipinto, Leonardo era profondamente impegnato in studi sulla luce, il suono, il movimento, nonché sulle emozioni umane e sulla loro espressione.
Dal settembre 1980, il Cenacolo, insieme alla Chiesa e al Convento Domenicano di Santa Maria delle Grazie, è stato dichiarato dall'Unesco Patrimonio dell’umanità in quanto "realizzazione artistica unica, di un valore eccezionale universale che trascende tutte le contingenze storiche".
La Tecnica Pittorica Rivoluzionaria di Leonardo
Leonardo da Vinci scelse di non utilizzare la tradizionale tecnica dell'affresco per dipingere la Cena e le lunette. Preferì invece un metodo che gli permettesse di lavorare lentamente e di apportare modifiche in corso d'opera. Questa scelta fu dettata dalla necessità di ritrarre le espressioni dei singoli personaggi e di cogliere l'attimo più intenso del dramma, momento in cui Cristo annuncia il tradimento da parte di uno dei suoi discepoli. Per raggiungere questo obiettivo, Leonardo si dedicò alla ricerca di modelli tra la gente comune, schizzandoli sui suoi taccuini per poi proiettarli sulla parete da dipingere. La tecnica dell'affresco, che richiede rapidità di esecuzione prima che l'intonaco asciughi, era incompatibile con il suo approccio fatto di ripensamenti e aggiunte.
Il maestro inventò pertanto una nuova tecnica: dipingere direttamente con la tempera sul muro adeguatamente trattato. Dopo aver steso un intonaco ruvido, Leonardo tracciò le linee principali della composizione con una sinopia e lavorò al dipinto utilizzando una tecnica tipica della pittura su tavola. La preparazione del muro prevedeva una mistura di carbonato di calcio e magnesio uniti da un legante proteico. Prima di stendere i colori, Leonardo interponeva un sottile strato di biacca (bianco di piombo) per esaltare gli effetti luminosi. Seguiva la stesura dei colori a secco, realizzati con una tempera grassa, probabilmente emulsionando all'uovo oli fluidificanti.
Contesto Storico e Interpretazione Iconografica
L'opera fu realizzata per l'altar maggiore del celebre convento di Port-Royal des Champs, un importante centro spirituale che all'epoca era al centro di polemiche. I Gesuiti accusavano la comunità religiosa di simpatie gianseniste e di mantenere contatti con ambienti calvinisti, mettendo in dubbio la loro fede nella presenza reale di Cristo nell'eucaristia. La risposta del pittore fu evidente: Port-Royal proclamava la sua fede nel mistero eucaristico attraverso questa superba rappresentazione dell'Ultima Cena, in cui Cristo, al centro, ripropone il gesto consacratorio del celebrante.
Leonardo si discostò dalla tradizione iconografica precedente, che privilegiava il momento dell'annuncio del tradimento. Egli preferì concentrarsi sul momento culminante dell'istituzione del sacramento. Sullo sfondo di un drappo scuro, che crea un'atmosfera seria e cupa, il pittore realizza una composizione caratterizzata da colori chiari e vivaci. La presenza della brocca sotto la tavola, con cui Gesù lava i piedi ai discepoli, simboleggia il suo servizio. La tovaglia, pulita e ben stirata, richiama un elemento femminile e la cura con cui le monache preparavano l'altare. Le pieghe a forma di croce sono una chiara allusione al mistero pasquale riassunto dall'Ultima Cena.
Le Reazioni degli Apostoli e la Figura di Giuda
Attorno a Cristo, i dodici apostoli reagiscono in modi diversi alle parole di Gesù. Li vediamo sorpresi, dubbiosi, meravigliati per le parole di Gesù e la portata dei suoi gesti, incapaci di comprendere appieno il significato di questa oblazione. I dialoghi degli sguardi, le torsioni dei corpi e il gesticolare delle mani comunicano l'intensità del momento. Gesù sta compiendo e offrendo questa cena per loro, per far comprendere che questo atto d'amore è universale. Ogni discepolo, con la sua personalità, è chiamato a partecipare all'evento. Gesù offre gratuitamente il suo pane come proposta di vita a chi è disposto ad accoglierla.
Il discepolo sulla destra, girato di spalle, è posto al di qua della tavola per indicarci il gesto di Gesù e indirizzarci a lui. Sull'altra sponda del tavolo, in primo piano, si impone la figura di Giuda. Il sacchetto con i soldi del tradimento, la gamba protesa in avanti in segno di sfida e la mano sul fianco comunicano la sua distanza abissale e l'opposizione radicale della sua logica rispetto a quella di Gesù. È l'unico che, con il braccio, rompe l'armonia della tovaglia, creando delle pieghe.
Il Contesto Storico e le Sfide del Restauro
L'opera fu commissionata da Ludovico il Moro a Leonardo durante il suo soggiorno milanese, per decorare una parete del refettorio di Santa Maria delle Grazie. Nonostante molti artisti avessero affrontato questo soggetto, Leonardo volle proporre un approccio nuovo e rivoluzionario. L'opera avrebbe dovuto immortalare il momento più intenso del dramma, quello dell'annuncio del tradimento.
Purtroppo, la tecnica sperimentale utilizzata da Leonardo si rivelò incompatibile con l'umidità della parete retrostante, causando cedimenti strutturali già circa vent'anni dopo il suo completamento. Giorgio Vasari, che vide il Cenacolo nel maggio del 1566, lo descrisse come "una macchia abbagliata". L'opera ha comunque resistito a numerosi eventi, inclusi i bombardamenti dell'agosto 1943 e la trasformazione del refettorio in bivacco e stalla da parte delle truppe napoleoniche all'inizio del XIX secolo.
Nel corso dei secoli, sono stati effettuati numerosi tentativi di restauro per porre rimedio ai danni, stabilizzare le cadute e, in molti casi, procedere a ridipinture. Il restauro del 1977 è stato un'operazione monumentale che ha mobilitato scienziati, critici d'arte e restauratori da tutto il mondo. La superficie del Cenacolo era gravemente scrostata e lesionata; la polvere infiltrata nei microscopici interstizi tratteneva l'umidità, accelerando la scomparsa del dipinto. Durante il lavoro di ripulitura, si scoprì che il Cenacolo era stato parzialmente spalmato di cera per un distacco mai eseguito. Il miscuglio di colle, resine, polvere, solventi e vernici sovrapposti nel corso dei secoli aveva ulteriormente peggiorato le condizioni della pellicola pittorica.
Scoperte durante il Restauro
Durante l'imponente restauro, sono emerse importanti scoperte. È stato ritrovato il buco di un chiodo piantato nella testa di Cristo, utilizzato da Leonardo per appendere i fili che definivano l'andamento della prospettiva e il punto di fuga dell'intera composizione. Sono stati riscoperti anche i piedi degli apostoli sotto il tavolo, ma non quelli di Cristo, poiché quella parte fu distrutta nel XVII secolo a causa dell'apertura di una porta che collegava il refettorio alla cucina. Purtroppo, altre parti, come la parte inferiore del viso di Giovanni, sono apparse irrecuperabili.
Nel 1980, il capolavoro è stato dichiarato patrimonio dell'umanità dall'Unesco, insieme alla chiesa e al convento domenicano adiacente. Nel dicembre 2014, la gestione del Museo del Cenacolo Vinciano è passata al Polo museale della Lombardia, divenuto poi Direzione regionale Musei nel dicembre 2019. Nell'aprile 2017 è stato annunciato un progetto di restauro ambientale per l'igienizzazione del microclima del Cenacolo.
Interpretazioni e Opere Correlate
Il dipinto si basa sul Vangelo di Giovanni 13:21, nel quale Gesù annuncia il tradimento. L'opera si ispira alla tradizione dei cenacoli di Firenze, ma Leonardo rinnovò profondamente l'iconografia, ricercando il significato più intimo ed emotivamente rilevante dell'episodio religioso. La disposizione degli apostoli in quattro gruppi di tre genera un effetto di onde che si propagano dalla figura di Cristo, creando stati d'animo differenti: più forti negli apostoli vicini, più moderati e increduli in quelli alle estremità. Ogni condizione psicologica è approfondita attraverso i moti dell'animo, pur mantenendo l'unità complessiva della scena.
La luce proviene da sinistra, corrispondente all'antica finestra reale del refettorio. Attorno a Cristo, la figura quasi piramidale con le braccia distese costituisce l'asse centrale della composizione. Attraverso espedienti prospettici, Leonardo ottiene l'effetto di sfondamento della parete, creando un raffinato trompe-l'oeil.
Esistono diverse opere correlate e copie dell'Ultima Cena di Leonardo. Tra queste, si segnalano:
- La copia del Giampietrino, assistente di Leonardo, proveniente dalla Certosa di Pavia (circa 1520).
- La copia attribuita a Marco d'Oggiono, a olio su tela (549×260 cm, circa 1520), conservata al Musée de la Renaissance nel castello di Écouen.
- La copia a mosaico di identica grandezza, realizzata da Giacomo Raffaelli, commissionata dal viceré Eugenio Beauharnais per Napoleone I, oggi conservata nella chiesa dei Minoriti di Vienna.
- Una copia esposta nel Da Vinci Museum dell'abbazia belga di Tongerlo.
- Una copia di un anonimo allievo di Leonardo nella chiesa parrocchiale di Ponte Capriasca, in Ticino (circa 1550).
- Una copia nella cattedrale di San Giovanni Battista a Torino, opera del pittore Luigi Cagna.
- Una copia rinvenuta nel convento dei Cappuccini a Saracena, in Calabria.
Una lettura romanzata e non storica del dipinto è presentata nel romanzo "Il codice da Vinci" di Dan Brown, che ipotizza un significato esoterico e l'interpretazione del discepolo alla destra di Gesù come una donna. Questa interpretazione è confutabile attraverso un'analisi dell'opera basata sul Vangelo di Giovanni. Il coltello impugnato da Pietro, ad esempio, è un riferimento alla scena successiva in cui taglierà l'orecchio a Malco.