Il Duecento italiano fu un secolo di straordinario fervore spirituale e innovazione artistica, in cui la figura di Cristo e, in particolare, il dramma della Passione assunsero un’importanza centrale. In questo contesto, Jacopone da Todi (c. 1230-1306) con la sua lauda drammatica "Donna de Paradiso" e Giotto da Bondone (c. 1267-1337) con gli affreschi della Cappella degli Scrovegni, si affermarono come due dei maggiori interpreti di questa sensibilità, pur utilizzando linguaggi e mezzi espressivi differenti.
Jacopone da Todi: Vita, Spiritualità e Opera
Biografia e Crisi Religiosa
Iacopo di Iacobèllo déi Benedétti, noto come Jacopone da Todi (ca. 1230/1236 - 25.12.1306), nacque a Todi da nobile famiglia guelfa. In gioventù, secondo una tradizione consolidata, esercitò la professione di notaio, come suggerisce la frequente presenza di termini giuridici nei suoi componimenti poetici. Si ritiene che abbia sposato Vanna di Bernardino di Guidoni dei conti di Collemezzo.
A partire dal 1268, in seguito alla tragica morte della moglie Vanna - che la leggenda narra morì durante una festa per il crollo accidentale del pavimento - Jacopone ebbe una profonda crisi religiosa. Scoprendo sotto le vesti della moglie un cilicio, prova di una dura e segreta penitenza, rimase talmente sconvolto da abbandonare la vita mondana e i propri beni, decidendo di "gir bizzocone". Per dieci lunghi anni vagò come penitente e solo nel 1278 entrò nell'Ordine dei Minori.
Il Confronto con la Chiesa e la Persecuzione
All'interno dell'ordine francescano, Jacopone si schierò con gli Spirituali o Fraticelli, che predicavano la stretta osservanza della Regola francescana, in opposizione ai più moderati Conventuali. Questa fazione fu condannata da Bonifacio VIII. All'inizio del breve pontificato di Celestino V, gli Spirituali furono ufficialmente riconosciuti come ordine, anche per merito di Jacopone che aveva inviato al Papa una lauda. Tuttavia, il successore, Bonifacio VIII, acerrimo nemico delle correnti più radicali della Chiesa, abrogò le precedenti disposizioni e sciolse la congregazione dei Puperes heremítae domini Celestini.
Per difendere l'ideale di povertà assoluta degli Spirituali, Jacopone si avvicinò ai Cardinali Colonna, che accusavano Bonifacio VIII di essersi illecitamente appropriato del trono. Fu scomunicato nel 1298, insieme agli altri dissidenti, assediato nella rocca di Palestrina, catturato e infine imprigionato, forse nel carcere conventuale di San Fortunato a Todi. Le richieste di assoluzione inviate al Pontefice furono vane; Jacopone ottenne la libertà soltanto per volontà del successore Benedetto XI, nel 1303, pochi anni prima di morire. Visse gli ultimi anni nell'ospizio dei Frati Minori, annesso al Monastero delle Clarisse di San Lorenzo di Collazzone, vicino Todi, dove morì la notte di Natale del 1306.
Le Laude di Jacopone: Linguaggio e Temi
L'attività di Jacopone come poeta in volgare è testimoniata da un folto gruppo di laude, che la tradizione manoscritta offre già sistemate in raccolte, eseguite perlopiù in ambito francescano. È stato isolato un corpus di un centinaio di componimenti sicuramente ascrivibili a Jacopone, tutti posteriori al momento della conversione. Della sua opera restano un centinaio di Laude (tra cui il capolavoro Donna de Paradiso o Il pianto della Madonna), in cui con forte accento polemico e acceso spirito combattivo denuncia la corruzione della Chiesa e degli uomini, incapaci di redimersi.
Le laudi di Jacopone da Todi sono componimenti di tema religioso che si rifanno al genere della lauda, in cui l'autore rappresenta con toni angosciosi e tormentati la realtà umana e terrena, per la sua vanità e caducità. Il linguaggio delle laudi, basato fondamentalmente sul dialetto umbro, è estremamente crudo, diretto, colloquiale e di grande impatto emotivo. Lo stile è paratattico, con frasi brevi e incalzanti che riflettono la concitazione degli eventi. L'uso frequente di interiezioni, esclamazioni e apostrofi contribuisce a creare un'atmosfera di profonda angoscia e partecipazione.
"Donna de Paradiso": Il Capolavoro di Jacopone
Genere e Struttura
"Donna de Paradiso", capolavoro di Jacopone da Todi in dialetto umbro, è uno dei più antichi esempi di laude drammatiche, interamente dialogata a più voci. Per raccontare la Passione, Jacopone sceglie la forma della lauda drammatica, strutturata secondo le forme della ballata sacra, composta da quartine di versi settenari rimati.
La Narrazione e la Sofferenza di Maria
Il poeta descrive la figura di Maria, addolorata, presso la croce su cui Gesù sta morendo. La lauda racconta i drammatici momenti della passione e morte di Cristo ma pone in primo piano la sofferenza di Maria e il suo dramma di madre. Madre e figlio dialogano, dopo che un nunzio ha descritto le tragiche vicende della crocifissione, e Gesù morente affida la madre all'apostolo Giovanni. Quel che emerge con particolare forza è l’umanità di Maria, trafitta dal dolore per la morte del figlio, che vorrebbe morire con lui e che lancia grida disperate.
Rifacendosi ai Vangeli, Jacopone teatralizza gli eventi rendendo più umani e vicini al sentire popolare i temi religiosi. La sofferenza della Madonna è profondamente umana ed ella appare, più che come «donna de Paradiso», anzitutto come una madre disperata. Il suo dolore è intensamente umano, descritto con crudo realismo (“Lo core me se spezza”, “Non posso più parlare”).
Estratti dal Dialogo della Lauda
- [Popolo] Crocifiggilo! Crocifiggilo!
- [Maria] Vi prego di ascoltarmi, / pensate al mio dolore!
- [Maria] O figlio, figlio, figlio, / figlio, amoroso giglio, / figlio chi potrà consolare / il mio cuore angosciato? / Figlio occhi gioiosi, / figlio, perché non rispondi?
- [Maria] O croce, che cosa farai? / Mio figlio prenderai?
- [Nunzio] Donna, gli hanno preso la mano / e l’hanno stesa sulla croce: / gliel’hanno trapassata con un chiodo, / tanto ce l’hanno conficcato.
- [Maria] Io comincio il lamento funebre: / figlio, mia gioia, / figlio, chi ti ha ucciso, / figlio mio nobile e bello?
- [Cristo] Mamma, dove sei venuta?
- [Maria] Figlio, ne ho buon motivo, / figlio, padre e marito! / Figlio, chi ti ha ferito?
- [Cristo] Mamma, perché ti lamenti?
- [Maria] Figlio, questo non dire! / Con te voglio morire, / non me ne voglio andare / finché non mi esce il fiato.
- [Maria] L’anima ti è uscita, / figlio della smarrita, / figlio della disperata, / figlio avvelenato! / Figlio bianco e rosso, / figlio senza uguali / figlio, a chi mi aggrappo? / Figlio, mi hai del tutto abbandonata! / Figlio bianco e biondo, / figlio dal volto gioioso; / figlio, perché il mondo / figlio, ti ha così disprezzato? / figlio dolce e piacente, / figlio dell’addolorata, / figlio, la gente ti ha / crudelmente (malamente) trattato. / Giovanni, nuovo figlio, / è morto tuo fratello / Ora sento la ferita del coltello / che mi fu profetizzata.
Il lamento funebre (chiamato anche corruptus, dal latino cor ruptus ovvero “cuore rotto”) di Maria, che occupa tutta l’ultima parte della lauda, è contrassegnato dalla ripetuta invocazione del figlio. Non serve a consolare Maria la consapevolezza della missione salvifica di Gesù né l’aver compreso il significato della profezia di Simeone (“E anche a te una spada trafiggerà l’anima”, Vangelo di Luca, II, 35). Suo figlio è morto e Maria grida tutto il suo dolore: si sente sperduta e disperata e invoca il figlio esaltandone la bellezza senza pari, ribadisce la sua disperazione, ora che l’ha definitivamente perduto. Maria, affranta dal dolore, si chiede perché colui che donava gioia e serenità agli altri sia stato a tal punto disprezzato e umiliato.
Il lessico utilizzato da Jacopone è in gran parte legato alla cultura popolare e alla quotidianità, con toni espressionistici che descrivono efficacemente la drammaticità degli eventi e che mostrano tutta l'umanità e l'amore che caratterizza il rapporto tra Maria e Gesù, con termini come "mamma", "lagni", "affocato", "attossicato", "abbraccecate". Tuttavia, sono presenti anche espressioni che rimandano a un registro linguistico colto, come le forme latineggianti allide, crucifige, lege, rege o l'aggettivo vermiglio. La narrazione della Passione prende la forma di un racconto a più voci, dove la natura umana della figura di Maria è fortemente evidenziata.
La Crocifissione di Giotto nella Cappella degli Scrovegni
Contesto e Descrizione
La Crocifissione è un affresco (200x185 cm) di Giotto, databile al 1303-1305 circa e facente parte del ciclo della Cappella degli Scrovegni a Padova. La scena è legata, più che in altri episodi, all'iconografia tradizionale. Il dipinto si inserisce in un vasto ciclo narrativo che narra la vita di Gioacchino e Anna, Maria e Cristo.
Sullo sfondo del cielo blu oltremare spicca al centro la croce di Gesù, in un turbinio di angeli addolorati che accorrono, si stracciano le vesti e raccolgono il sangue di Cristo dalle ferite. In basso c'è la Maddalena che bacia i piedi di Cristo, a sinistra si può notare un gruppo di donne che sostengono Maria svenente e a destra quello dei soldati che si litigano la veste di Cristo. Ai piedi del Calvario si trova una cavità con delle ossa e un teschio, tradizionalmente quello di Adamo che, bagnato dal sangue di Cristo, è redento dal Peccato originale.
Innovazione Artistica e Realismo
Giotto supera la stilizzazione e la ieraticità dell’arte bizantina. Le sue figure sono voluminose, tridimensionali, calate in uno spazio prospettico e dotate di una forte carica espressiva. Giotto rappresenta il dramma della Passione con grande realismo, ma con una compostezza e una dignità che non scadono mai nel patetismo eccessivo.
Nella Crocifissione, Giotto concentra il dolore e il dramma attorno alla figura del Cristo crocifisso. La Vergine sviene, sorretta da altre donne, mentre San Giovanni si dispera con un gesto di braccia eloquente. I soldati si accalcano ai piedi della croce, alcuni indifferenti, altri partecipi. Anche nel Compianto sul Cristo Morto, una delle scene più potenti del ciclo, il corpo esanime di Cristo è al centro, circondato da figure che esprimono un dolore profondo e individuale. Maria abbraccia il Figlio con disperazione, la Maddalena piange ai suoi piedi, San Giovanni si getta indietro con un grido muto. Giotto descrive il dramma visibile e composto.
Parallelismi e Differenze: Jacopone e Giotto nell'Espressione della Passione
Umanizzazione del Sacro e Realismo Emozionale
Jacopone da Todi e Giotto da Bondone, pur con mezzi espressivi diversi, convergono nell'umanizzazione del sacro. Entrambi rompono con le tradizioni più stilizzate e ieratiche, introducendo una forte umanizzazione del divino e del sacro. Sia Jacopone che Giotto mirano a un realismo emotivo, rappresentando il dolore, la disperazione e la pietà in modo intenso e riconoscibile. Le loro opere sono pensate per un pubblico vasto e popolare, non solo per una ristretta élite colta, favorendo un profondo coinvolgimento del pubblico.
Diversità dei Mezzi e Contesti
La differenza più ovvia tra i due è il mezzo espressivo: la parola cantata o recitata per Jacopone, l’immagine dipinta per Giotto. Giotto organizza le scene con una precisa composizione spaziale e figure ben delineate, superando l'astrazione bizantina. Jacopone, invece, non descrive la scena visivamente, ma attraverso le voci e le reazioni emotive dei personaggi, con uno stile paratattico che crea un flusso narrativo concitato.
Il contesto di Jacopone è immerso nella spiritualità francescana più radicale e nella critica alla Chiesa del suo tempo. Jacopone visse in un secolo ricchissimo di avvenimenti politici, di vita economica e sociale, di accadimenti culturali e artistici e tutto rifiutò in nome di una religiosità radicale.
L'Impatto e la Relazione con l'Arte Figurativa Umbra
Il tema del rapporto tra la poesia straordinariamente originale e drammatica di Jacopone e la figuratività è stato affrontato da storici dell'arte come Mario Salmi e Pietro Scarpellini. Salmi ha evidenziato possibili parallelismi tra due artisti di temperamento drammatico come Cimabue e Jacopone che affrontano argomenti simili, in specie la Crocifissione, nello stesso tempo e negli stessi luoghi, cioè Assisi.
Un'osservazione di Salmi suggerisce che Jacopone, nel suo "dolce amor di povertade", avesse preferito, fedele alla vecchia regola francescana, il tempio edificato sulla tomba del santo di Assisi, severo e privo di ogni ornamento, anziché la splendida duplice chiesa che, in ogni sua parte dipinta, divenne un testo fondamentale della pittura gotica italiana. Ciò implica che nel rifiuto di Jacopone del mondo a lui contemporaneo era compresa anche la sovrabbondante produzione figurativa, sia pure di soggetto religioso, che al suo tempo investiva non solo le chiese francescane, ma tutte le chiese dell'Italia intera.
L'indagine di Pietro Scarpellini, più filologicamente stringente, analizza il complesso delle Laude alla ricerca di elementi figurativi confrontabili con le opere d'arte che Jacopone potrebbe aver visto. Scarpellini nota elementi descrittivi in alcune Laude, sempre sentimentalmente impegnate, che realizzano veri e propri bozzetti, come le descrizioni delle stagioni ("Ecco l'overno che vene plovioso, diventa motoso e rio gire atorno; vènti, fredura e nivi per uso, a' l'omo è 'nnoioso portare tale ponno.") o di un vecchio bavoso o le pene della madre. Tuttavia, individuare questi elementi descrittivi non risolve completamente il problema del rapporto diretto.
Nonostante la ricchissima tradizione manoscritta delle Laude non conosca illustrazione né di disegni né di miniature, a differenza di opere come quelle di Dante, questo potrebbe essere segno dell'astrattezza di molte laude o della loro destinazione più umile. Jacopone, pur ostile alla società del suo tempo, di questa fu cantore e interprete, esasperandone la riflessione sul tema della morte e della vanità umana. Egli combatte il mondo, ma non si isola, e comunica attraverso la poesia e talvolta anche attraverso la grafica, come testimonia un disegno che realizza visivamente la lauda "Un arbore è da Deo plantato", dimostrando una concezione strumentale della realtà propria del poeta.